Serialismo (modernidade)

As contribuições de Richard Wagner, Claude Debussy e Igor Stravinsky foram decisivas para o desenvolvimento da linguagem musical no Ocidente. No entanto esses compositores não dispunham de um método composicional conciso que sustentasse suas incursões pelo âmbito da dissonância.

Coube a Arnold Schoenberg (1874-1951) a formulação de um método (sistema) composicional coerente e rigoroso, em substituição ao método de tonalidades maior-menor. A proposição de Schoenberg, sendo considerada uma das maiores revoluções em toda a história da Música no Ocidente, representa a linha divisória entre a tradição e a modernidade, assim como também a referência dos compositores das gerações que o sucederam.

Porém, o próprio Schoenberg passou por um período que, desprovido de um sistema composicional, cria obras exclusivamente atonais, sendo considerado por muitos estudiosos o pioneiro nesta modalidade de composição.

SERIALISMO: UMA NOVA PROPOSTA DE SISTEMATIZAÇÃO FORMAL, ESTRUTURAL E HARMÔNICA (A ATONALIDADE, ARNOLD SCHOENBERG E O SERIALISMO, AS PARTÍCULAS SONORAS DE ANTON WEBERN, SERIALISMO INTEGRAL)

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Serialism is most specifically defined the structural principle according to which a recurring series of ordered elements (normally a set - or 'row' - of pitches or 'pitch classes') which are used in order, or manipulated in particular ways, to give a piece unity. Serialism is often broadly applied to all music written in the what Arnold Schoenberg called "The Method of Composing with Twelve Tones related only to one another", or dodecaphony, and methods which evolved from his methods. It is sometimes used more specifically to apply only to music where at least one other element other than pitch is subjected to being treated as a row or series. The term Schoenbergian serialism is sometimes used to make the same distinction between use of pitch series only, particularly if their is an adherence to post-Romantic textures, harmonic procedures, voice-leading and other audible elements of 19th century music. In such usages post-Webernian serialism will be sued to denote works which extend serial techniques to other elements of music. Another term used to make the distinction is 12 tone serialism.

Serialism has been described by its practioners as an extension and formalisation of earlier methods of 'cellular' thematic and motivic unification in classical and romantic music. This extension and formalisation is seen as having been motivated by the intensifying drive towards chromatic saturation and the resulting need to unify without using tonality.

Most serial music is deliberately structured as such. A row may be assembled 'pre-compositionally' (perhaps to embody particular intervallic or symmetrical properties), or it may be derived from a spontaneously invented thematic or motivic idea. Composing a serial work involves continually re-rhythmicising the various reappearances of the row in its Original, Retrograde, Inverted and Retrograde-Inverted forms as these are distributed through the various elements of the texture and employed to create accompaniments and subordinate parts as well as the main themes; each of these forms may also be transposed to begin on any note of the chromatic scale.

This row or series is used in one form as the "basic set", which constitutes the "center" of gravity for the piece. Each row or series is supposed to have three other forms: retrograde, or the basic set backwards, inverted, or the basic set "upside down" and retrograde-inverted, which is the basic set upside down and backwards. The basic set is usually required to have certain properties, and may have additional restrictions, such as the requirement that it use each interval only once. The most common requirement is that first half and second half of the row not be inversions of each other. The series in itself may be regarded as pre-compositional material: in the process of composition it is manipulated by various means to produce musical material.

Serialism
History of Serial Music (Twelve Tone Music, Serialism invented and described, Serialism and high modernism, Serialism in the present, Reactions to and against serialism), Theory of Serial Music, Important Composers, Sources.
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Sabine Meyer, Heinrich Schiff, Leif Ove Andsnes

Sabine Meyer, clarinete
Heinrich Schiff, violoncelo
Leif Ove Andsnes, Piano

Penha Longa Hotel & Golf Resort, 20 de Julho de 2005

Witold Lutoslawski
Prelúdios de Dança, para Clarinete e Piano
Grave: Metamorfoses, para Violoncelo e Piano

Ludwig van Beethoven
Sonata para Violoncelo e Piano nº 3, em Lá Maior, op. 69

Alban Berg
Quatro Peças para Clarinete e Piano, op. 5

Johannes Brahms
Trio para Clarinete, Violoncelo e Piano, em Lá menor, op. 114

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Witold Lutoslawski (1913-1994)

Prelúdios de Dança para Clarinete e Piano, 1954
A clear, fresh tonality related to late Bartók.

Grave para Violoncelo e Piano, 1981
In his later works he evolved a more harmonically mobile, less monumental style, in which less of the music is played with an ad libitum coordination.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)

Sonata para Violoncelo e Piano nº 3, 1808
Dedicated to baron Gleichenstein, is the most popular and at the same time the most loved cello sonata of the composer’s work. This is explainable through the diversity of the thematic material and the improvisational character of the themes.

Alban Berg (1885-1935)

Quatro Peças para Clarinete e Piano, 1913
Schoenberg was scathing of the Altenberg Songs, and Berg's response was to attempt in the Four Pieces for Clarinet and Piano, the kind of genuine aphorisms that his teacher and Webern had explored (12-note serialism). The pieces are exceedingly short (12,9,18, and 20 bars). The technical brilliance is undoubted (the pieces correspond to a four-movement classical sonata) but the results are completely sterile, especially when set alongside Webern's similar works. They are primarily interesting as a musical example of psychological dependence.

Johannes Brahms (1833-1897)
Trio para Clarinete, Violoncelo e Piano, 1891
For Brahms, the clarinet's mellow colouring lent itself splendidly to the ruminative and sometimes melancholy nature of his music. His use of the cello, in contradistinction to the viola in Mozart's K. 498, provides an overall darker colouring that is in keeping with the "autumnal" character that one hears even in Brahms's early music and which deepened over the years. "It is as though the instruments were in love with each other."

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Serialismo (modernidade)
Witold Lutoslawski e Alban Berg (compositores século XX)

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Witold Lutoslawski e Alban Berg (compositores século XX)

Varsóvia, 1913-1994.

Prelúdios de Dança, para Clarinete e Piano
Grave: Metamorfoses, para Violoncelo e Piano
Sabine Meyer, Heinrich Schiff, Leif Ove Andsnes
Sintra, 20 de Julho de 2005


Music

Lutosławski described musical composition as a search for listeners who think and feel the same way he did — he once called it "fishing for souls".

Folk influence
Works up to Dance Preludes exhibit a marked folk influence, both harmonically and melodically. For instance, the Concerto for Orchestra contains Polish folk melodies more or less distorted, some unrecognisable except after careful analysis.

When Lutosławski discovered the techniques of his mature compositions, he simply stopped using folk material. As he said himself, "[in those days] I could not compose as I wished, so I composed as I was able", and about this change of direction he said, "I was simply not so interested in it [using folk music]".

Pitch organisation
In Muzyka żałobna, 1958 Lutosławski introduced his own brand of twelve-tone music, and this work marks his leaving behind folk influence. Lutosławski's twelve-tone technique allowed him to build harmony and melody from specific intervals (augmented fourths and semitones in Muzyka żałobna). This system also gave him the means to write the dense chords he wanted without resorting to tone clusters, and enabled him to build towards these dense chords (which often include all 12 notes of the chromatic scale) at climactic moments. Lutosławski's 12-note techniques were thus completely different in conception from Arnold Schoenberg's tone-row system, although Muzyka żałobna does happen to be based on a tone row.

His twelve-note intervallic technique was not a complete break from Lutosławski's previous music, as the use of intervals to build chords can be heard in works such as Concerto for Orchestra.

Aleatory technique
Although Muzyka żałobna was internationally acclaimed, his new harmonic techniques led to something of a crisis for Lutosławski, during which he still could not see how to express his musical ideas. Then he happened to hear some music by John Cage. Although he was not influenced by the sound or the philosophy of Cage's music, Cage's explorations of aleatory music set off a train of thought, which resulted in Lutosławski finding a way to retain the harmonic structures he wanted while introducing the freedom he was searching for. His 3 Postludes were hastily rounded off (he originally intended to write four) and he moved on to compose works in which he explored these new ideas.

In works from Jeux vénitiens, the parts of the ensemble are not to be synchronised exactly. At cues from the conductor. instrumentalists may be instructed to move straight on to the next section, to finish their current section before moving on, or to stop. In this way the random element implied by the term aleatory is carefully directed by the composer, who controls the architecture and harmonic progression of the piece precisely. Lutosławski notates the music exactly, there is no improvisation, no choice of parts is given to any instrumentalist, and there is thus no doubt about how the musical performance is to be realised. The combination of Lutosławski's aleatory techniques and his harmonic discoveries allowed him to build up complex musical textures.

In many works of this period, aleatory style is contrasted with sections where the orchestra is asked to synchronise their parts conventionally, in passages notated with a common time signature. Good examples are the climax of Livre pour orchestre and passages leading to the climax of Symphony No. 2.

Late style
In his later works Lutosławski evolved a more harmonically mobile, less monumental style, in which less of the music is played with an ad libitum coordination. This development resulted from the demands of his late chamber works, such as Epitaph, Grave and Partita for just two instrumentalists, however it may also be seen in orchestral works such as Piano Concerto, Chantefleurs et Chantefables, and Fourth Symphony, which require mostly conventional coordination.

Lutosławski's formidable technical developments grew out of his creative imperative; that he left a lasting body of major compositions is a testament to his resolution of purpose in the face of the anti-formalist authorities under which he formulated his methods.

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Viena, 1885-1935

Quatro Peças para Clarinete e Piano, op. 5
Sabine Meyer, Heinrich Schiff, Leif Ove Andsnes
Sintra, 20 de Julho de 2005

Berg was born in Vienna, the third of four children of Johanna and Conrad Berg. His family lived quite comfortably until the death of his father in 1900.

He was more interested in literature than music as a child, and did not begin to compose until he was fifteen, when he started to teach himself music. He had very little formal music eduction until he began a six-year period of study with Arnold Schoenberg in October 1904 to 1911, studying counterpoint, music theory, and harmony; by 1906 he concentrated on his music studies full-time, and by 1907 he began composition lessons. Among his compositions under Schoenberg were five piano sonata drafts and various songs, including his Seven Early Songs (Sieben frühe Lieder), three of which were Berg's first publicly performed work in a concert featuring the music of Schoenberg's pupils in Vienna that same year.

These early compositions would reveal Berg's progress as a composer under Schoenberg's tutelage. The early sonata sketches eventually culminated in Berg's Piano Sonata Op.1 (1907–8); while considered to be his "graduating composition", is one of the most formidable Op. 1 ever written by any composer. (See Lauder.) Schoenberg was a major influence on him throughout his lifetime; Berg not only greatly admired him as a composer and mentor, but they remained close friends for the remainder of his life. Many people believe that Berg also saw him as a surrogate father, considering Berg's young age during his father's death.

An important idea of Schoenberg is his teaching was what would later be known as developing variation, which stated that the unity of a piece is dependent on all aspects of the composition being derived from a single basic idea. Berg would then pass this idea down to one of his students, Theodor Adorno, who stated: "The main principle he conveyed was that of variation: everything was supposed to develop out of something else and yet be intrinsically different." The Sonata is a striking example of the execution of this idea — the whole composition can be derived from the opening quartal gesture and from the opening phrase.

Berg was a part of Vienna's cultural elite during the heady period of fin de siècle. Among his circle included the musicians Alexander von Zemlinsky and Franz Schreker, painter Gustav Klimt, writer and satirist Karl Kraus, architect Adolf Loos, and poet Peter Altenberg. In 1906, Berg met Helene Nahowski, singer and daughter of a wealthy family, and despite the outward hostility of her family, married on May 3, 1911.

In 1913, Berg's Five songs on picture postcard texts by Peter Altenberg were premiered in Vienna. The piece caused a riot, and the performance had to be halted: a complete performance of the work was not given until 1952.

From 1915 to 1918, he served in the Austrian Army and it was during a period of leave in 1917 that he began work on his first opera, Wozzeck. Following World War I, he settled again in Vienna where he taught private pupils. He also helped Schoenberg run the Society for Private Musical Performances, which sought to create an ideal environment for the exploration of unappreciated and unfamiliar new music by means of open rehearsals, repeated performances, and the exclusion of all newspaper critics.

The performance in 1924 of three excerpts from Wozzeck brought him his first public success. The opera, which Berg completed in 1922, was not performed in its entireity until December 14, 1925, when Erich Kleiber directed a performance in Berlin. The opera is today seen as one of his most important works; a later opera, also critically acclaimed, Lulu, was left incomplete at his death.

Berg's best-known piece is probably his elegiac Violin Concerto. Like so much of his mature work, it employs a highly personal adaptation of Schoenberg's twelve tone technique that enables it to combine frank atonality with more traditionally tonal passages and harmonies; additionally, it uses actual quotations of pre-existing tonal music, including a Bach chorale and a Carinthian folk song. Other well known Berg compositions include the Lyric Suite (seemingly a big influence on the String Quartet No. 3 of Béla Bartók) and the Chamber Concerto for violin, piano and 13 wind instruments.

Berg died on Christmas Eve, 1935, in Vienna, apparently from blood poisoning caused by an insect bite. He was 50 years old.

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Espelho Meu

Espelho Meu | Portugal visto por fotógrafos da Magnum

Centro Cultural de Belém
até 28 de Agosto de 2005

Obrigatória.

Ligne de Fuite de Philippe Genty

Centro Cultural de Belém
9, 10 e 11 de Julho de 2005

Qu’y a-t-il donc au bout de ces lignes de fuite ? Un point. Un point de fuite. Un point qui grandit à l’horizon. Un point qui s’interroge ? Un point qui pourrait être vous, moi... Vous à l’extrémité de cette ligne et moi à l’autre bout. C’est en tout cas ce que se dit ce personnage qui nous entraîne le long de ces abîmes au fond de nous-mêmes, à la recherche d’une victime, vous ou moi et d’un meurtrier, pourquoi pas vous ou peut-être moi.

Lui et cinq autres cosmonautes de l’intérieur voyagent d’une énigme à l’autre, à la recherche d’une réponse dans une course éternelle jalonnée de vertiges, de culs-de-sacs, de retours impossibles, d’un infiniment petit à un infiniment grand, de vos rêves à leurs cauchemars, passant d’un naufrage à une résurrection, traversant l’océan des souvenirs, croisant un maître-nageur à mi-temps et philosophe le reste du temps, un ogre qui s’auto-dévore, un chien humain à temps partiel et informaticien pendant les week-ends, une danseuse en perte de mémoire.
Des profondeurs de l’âme de la vôtre ou peut-être de la leur se fait jour une réponse à ces énigmes, bien sûr, là où nous l’attendions le moins...

Philippe Genty

Construtor de paisagens mentais, fantasmagorias surrealistas, Philippe Genty conjuga os seus bailarinos, actores e marionetistas num puzzle vertical povoado por animalejos imaginários. Um mergulhador de escafandro, dependurado, ondula por cima de mares inesperados e abismos sem fundo. Com um apetite e um humor devastadores, um ogre autodevora-se.

Os aventureiros de Linha de Fuga espalham-se no horizonte, repousam lá. Na sua odisseia cruzam-se com uma dançarina caprichosa, um mestre manipulador irrisório e patético, um cleptomaníaco controlador do tempo a meio-tempo, e outros exploradores de tamanho variável consoante o tempo e o ambiente.

Pierre Notte

Na nossa abordagem do teatro, a cena é um espaço que não se parece com nenhum outro. Não se trata do lugar da vida, mas doutro espaço. Um espaço que não se pode habitar tentando reproduzir a vida, tentando ser naturalista. Trata-se de um espaço entre parêntesis. Não se trata do espaço do sonho mas de um espaço que, tal qual como o sonho, é de uma outra natureza que não a realidade. A cena existe para nos fazer escorregar para os abismos.

Como nas nossas criações anteriores, utilizo por vezes a magia e a ilusão para fazer explodir o racional e fazer-nos resvalar para o universo do subconsciente, deixando o espectador prolongar as imagens que lhe são propostas, de forma a reenviá-lo aos seus próprios espelhos. A primeira imagem é essencial. Ao entrar na sala o espectador descobre um plano vertical. Linhas brancas sobre um fundo negro como um projecto de um arquitecto, reunindo-se num ponto, ao centro, formando um traçado em perspectiva. Ao longe, uma pequena cadeira dá a sensação de profundidade. A partir desse ponto concreto, no início do espectáculo, vai materializar-se a personagem central. De um plano em duas dimensões, entramos no tridimensional, convidando o espectador a deixar-se transportar para uma realidade de sonho.

Philippe Genty

Assistência de encenação Mary Underwood

Música René Aubry

Desenho de luzes Patrick Rioux

Figurinos Charline Bauce

Actores | manipuladores Dominique Cattani, Marjorie Currenti, Sónia Enquin, Meredith Kitchen, Scott Koehler e Lionel Ménard

Técnicos | manipuladores Didier Carlier, Franck Girodo, Pascal Laajili e Grâce Rondier

Desenho de luzes Martin Lecarme

Efeitos especiais Nick von der Borch

Concepção de objectos de cena Stéphane Puech

Compañía Nacional de Danza

Director Artístico:
Nacho Duato

Compañía Nacional de Danza

Centro Cultural Olga Cadaval
8 e 9 de Julho de 2005

Arcangelo
Coreografia Nacho Duato
Música Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti

Por vos muero
Coreografia Nacho Duato
Música Antiga Espanhola dos séculos XV e XVI

Diecisiete
Coreografia Nacho Duato
Música Pedro Alcalde, Sérgio Caballero

A Compañía Nacional de Danza foi fundada em 1979 com o nome de Ballet Nacional de España Clásico, e teve Víctor Ullate como primeiro Director. Em Fevereiro de 1983 María de Ávila assumiu a Direcção dos Ballets Nacionales - Español y Clásico -, tendo encomendado coreografias a Ray Barra, bailarino e coreógrafo norte-americano residente em Espanha, oferecendo-lhe posteriormente o cargo de Director, função que desempenhou até Dezembro de 1990. Em Dezembro de 1987, Maya Plisetskaya foi nomeada Directora Artística da companhia de bailado.

O assumir de funções como Director Artístico da Compañía Nacional de Danza do prestigiado coreógrafo e bailarino Nacho Duato, em Junho de 1990, implicou uma mudança inovadora na história da companhia. Duato estava decidido a tornar o grupo numa companhia com identidade própria, em que, sem esquecer os preceitos clássicos, se traçasse um rumo para um estilo mais contemporâneo. Com este fim incluíram-se no repertório novas coreografias criadas especificamente para a companhia, assim como outras obras de qualidade reconhecida por numerosas companhias internacionais.

Nacho Duato também trouxe para a Compañía Nacional de Danza o seu trabalho como coreógrafo, elogiado e premiado pela crítica mundial da especialidade.

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Arcangelo
Arcángelo es una reflexión sobre el paraíso y el infierno. Está basado en los maravillosos Concerti Grossi del italiano Arcangelo Corelli finalizando con una aria de la ópera de Scarlatti, Il primo Omicidio. Duato ha utilizado fundamentalmente los lentos y adagios en un orden distinto al original. El ballet nos relata la búsqueda de una liberación a través de la muerte, como vía de acceso a un paraíso que nos libere.

Por vos muero
Duato se ha inspirado en música española de los siglos de oro que junto con los bellísimos versos de Garcilaso de la Vega sirven al coreógrafo como hilo conductor entre la lógica contemporaneidad de la danza en Por Vos Muero y su referencia histórica.
En los siglos XV y XVI las danzas formaban parte de la expresión de pueblo, en todos sus estratos, lo cual redundaba en que supusieran realmente el reflejo de la cultura de su tiempo. Pos Vos Muero quiere ser un homenaje a ese papel fundamental que la danza ocupaba entonces en nuestra sociedad.

Diecisiete
Diecisiete, un ballet inspirado en el tradicional “haiku” japonés. El título de “Diecisiete” hace referencia al número de sílabas de los “haikus” japoneses, una estructura poética muy ligada a dos temas, la naturaleza y la muerte, sobre los que los orientales tienen una visión muy personal y que ahora Duato transmite a través de la danza. Aunar los sonidos de la naturaleza con la instrumentación musical ha sido trabajo de Pedro Alcalde y Sergi Caballero, al son de cuya música acompasan sus movimientos los bailarines.

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Nacho Duato

Nasceu em Valência, Espanha. Começou a sua formação profissional na Rambert School de Londres, continuando-a na Mudra de Maurice Béjart em Bruxelas e completando os seus estudos no Alvin Ailey American Dance Centre em Nova Iorque.

Em 1980 Nacho Duato assinou o seu primeiro contrato profissional com o Cullberg Ballet (Estocolmo) e um ano mais tarde, pela mão de Jirí Kylián, ingressou no Nederlands Dans Theater, tendo sido nomeado Coreógrafo Residente em 1988, ao lado de Hans van Manen e Jirí Kylián. Pelos seus êxitos como bailarino recebeu em 1987 o VSCD Gouden Dansprijs (Medalha de Ouro em Dança). A sua primeira coreografia, Jardí Tancat (1983), com música de María del Mar Bonet, ganhou o primeiro prémio do Internationaler Choreographischer Wettbewerb (Concurso Coreográfico Internacional) de Colónia.

Os seus bailados fazem parte do repertório das mais prestigiadas companhias por todo o mundo, entre as quais o Cullberg Ballet, Nederlands Dans Theater, Les Grands Ballets Canadiens, Ballet da Ópera de Berlín, Australian Ballet, Stuttgart Ballet, Ballet Gulbenkian, Finnish Opera Ballet, San Francisco Ballet, Royal Ballet e American Ballet Theatre.

Em 1995 recebeu o Grau de Cavaleiro da Ordem das Artes e Letras, concedido pela Embaixada de França em Espanha.

Em 1998 o Conselho de Ministros condecorou-o com a Medalha de Ouro de Mérito em Belas Artes.

Em Abril de 2000 recebeu na Ópera de Stuttgart um dos mais conceituados prémios internacionais, o Benois Prix de la Danse, na sua 9º edição, concedido pela International Dance Association, por Multiplicidad. Formas de Silencio y Vacío (1999).

Foi Premio Nacional de Danza 2003 na modalidade de Creación.

Nacho Duato é Director Artístico da Compañía Nacional de Danza desde Junho de 1990, a convite do Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música do Ministério da Cultura de Espanha.

Fundação Gulbenkian extingue Ballet

Dia (nacional) triste ...

A Fundação Calouste Gulbenkian anunciou hoje que vai extinguir a sua Companhia de Dança criada há 40 anos e adaptar a intervenção nesta área às novas realidades.

Público
TSF
TSF
DN
JN

LisboaPhoto 2005

2005.05.19 a 2005.09.18

Arquivo Fotográfico Municipal de Lisboa
Corpo diferenciado
Corpo diferenciado é uma exposição feita a partir do espólio fotográfico da Delegação de Lisboa do Instituto Nacional de Medicina Legal e que aborda a natureza e os valores lógicos que determinaram o uso da fotografia pelas instituições médicas e judiciárias em Portugal, durante as primeiras décadas do século XX, e, correlativamente, a assunção da imagem fotográfica como prova susceptível de produzir e reproduzir conhecimento, como também o entendimento científico (e ideológico) que as disciplinas médicas e judiciárias desenvolveram sobre as realidades do corpo.

Cordoaria Nacional
Joshua Benoliel
Joshua Benoliel é um dos pioneiros do fotojornalismo em Portugal e a sua obra constitui o mais importante e qualificado arquivo da sociedade portuguesa das primeiras décadas do século XX. Para a LisboaPhoto foi concebida a mais vasta e ambiciosa retrospectiva da obra de Joshua Benoliel realizada até hoje, e o comissariado esteve a cargo de Emília Tavares, investigadora na área da história da fotografia.

Cordoaria Nacional
Francisco Tropa
A Assembleia de Euclides é o título da instalação de Francisco Tropa: um dispositivo arquitectónico (um semi-cúbo) composto por lugares (a praia, a floresta), figuras (dois ciclistas) e objectos arquetípicos defronte de uma máquina fotográfica. Tropa delimita um espaço, um teatro de operações para a realização de um acontecimento simultaneamente fotográfico e performativo, e nas suas múltiplas leituras confronta o espectador com as qualidades mágicas da formação da imagem fotográfica.

Museu da Cidade
Hannah Starkey
Entre o registo documental e ficcional, é de destacar a participação de Hannah Starkey. Originária da Irlanda do Norte, Hannah Starkey constrói representações de momentos paradigmáticos do quotidiano, em especial do quotidiano feminino. Revelando um grande rigor técnico e composicional, as imagens de Starkey situam-se, situam-nos, num espaço ambíguo, entre a aparência de um testemunho e a artificialidade inerente ao seu jogo encenatório.

Centro Cultural de Belém
Estados da Imagem – instantes e intervalos
Tomando como ponto de partida o fotográfico e suas singularidades na representação do movimento e do tempo, a exposição colectiva Estados da Imagem – instantes e intervalos, conta com a participação de 12 artistas. Entre a imagem-suspensa e a imagem-movimento, esta exposição reúne um conjunto diverso de modelos de produção e exibição de imagens de natureza técnica, procurando sugerir sinais de convergência, de inovação e de retroacção, a partir dos graus de paragem e de concentração do e no movimento pela acção da fotografia, do cinema e do vídeo.

Culturgest
Helmar Lerski – Metamorfoses pela Luz
Helmar Lerski é um dos autores mais singulares das vanguardas artísticas da década de 30, em particular pela forma como constituiu uma das mais intensas e perturbantes representações do rosto humano. Na LisboaPhoto é apresentada a sua série mais emblemática, Metamorfoses pela Luz, produzida pelo Museu Folkwang de Essen na Alemanha. São cerca de 120 provas de época, que mostram um amplo estudo em torno de um mesmo rosto, representado em close-up e sujeito a variações minimalistas de luz e sombras.

Museu do Chiado
Erwin Wurm
Erwin Wurm é um artista austríaco cujo trabalho tem estado fundamentalmente preocupado com a expansão dos conceitos da escultura, desde o início da década de 80. Em séries como One Minute Sculpture ou Outdoor sculptures, é possível ver o artista ou outros 'performers' a simular acções/esculturas em espaços públicos e privados. O que fica são registos fotográficos que re-apresentam momentos singulares da curta duração dessas acções/esculturas. Nesta exposição, incluem-se trabalhos em fotografia, desenho, vídeo e escultura.

Museu Nacional de Arte Antiga
Aaron Siskind
Aaron Siskind é uma das figuras emblemáticas da fotografia modernista norte-americana. A partir da década de 40, e sob influência do movimento abstracto-expressionista na pintura, Siskind passou a desenvolver uma fotografia tendencialmente abstracta, assente num metódico e fortemente estruturado programa de enquadramento de detalhes da realidade física, aliando um grande rigor técnico a uma apurada expressão plástica. Nesta exposição, apresenta-se uma antologia da obra de Aaron Siskind, com maior destaque para as suas séries abstractas.

Museu Nacional de Arte Antiga
José Luís Neto
José luís Neto é um fotógrafo português que tem desenvolvido um percurso autoral extremamente singular. Nesta exposição, José Luís Neto apresenta um trabalho inédito: seleccionou uma série de imagens de uma colecção de fotografias sem autor identificado, realizadas entre 1898 e 1908; em seguida, refotografou um pequeno fragmento dessas imagens, que depois de ampliadas resultam em imagens que transfiguram por completo, muitas vezes até ao limiar da abstracção, a natureza icónica do que anteriormente eram figuras, vultos, detalhes.

Museu Nacional de Arte Antiga
Vítor Pomar
Vítor Pomar é um artista que utiliza múltiplas linguagens artísticas – desenho, pintura, escultura, fotografia e filme experimental. O seu trabalho surge como um processo de reunificação de experiências de dispersão do quotidiano, inscrevendo os seus registos fotográficos, segundo uma postura de espontaneidade e informalidade, como uma evidência diarística da relação do artista com as circunstâncias das coisas e dos lugares.
Na LisboaPhoto, Vítor Pomar apresenta, uma nova série, Micropráticas.

Palácio Nacional da Ajuda
Empirismos
Os paradoxos da representação documental são um dos primeiros motivos da colectiva Empirismos, produzida em parceria pela LisboaPhoto e pela PhotoEspaña, e que agrega trabalhos de vários tipos e suportes de imagens (em especial, do campo da fotografia e do vídeo) em que a reprodução, montagem e desconstrução de matérias e acontecimentos do mundo empírico se constituem como tópicos fundamentais nos imaginários de cada um dos artistas.

Sociedade Nacional de Belas Artes
Chen Chieh-Jen
Chen Chieh-Jen, artista de Taiwan, apresenta a instalação vídeo Lingchi, baseada numa fotografia de um homem torturado na China, em 1905. Chieh-Jen reconstitui os acontecimentos imediatamente anteriores à imagem realizada por um soldado francês, posteriormente celebrizada por Georges Bataille, colocando uma série de questões sobre a imagem e correlativos mecanismos de poder, entre os quais, corpo e violência, representação e etnocentrismo.

Aqueduto das Águas Livres e Terraço da Mãe d'Água
Diogo Saldanha / Tomás Maia
Diogo Saldanha realiza a instalação (·) lugar do duplo, que consiste numa intervenção no interior do Aqueduto das Águas Livres de Lisboa, adequando-o ao dispositivo da camera obscura. Num troço com aproximadamente 300 metros, Diogo Saldanha estrutura uma sequência de imagens projectadas, a partir da utilização de 40 óculos intervencionados.
Paralelamente, Tomás Maia apresenta assombra, a leitura de um ensaio cujo fio condutor é a reinterpretação da "Alegoria da Caverna" de Platão.

Cada d'Os Dias da Água
Albano Afonso
Albano Afonso é um artista brasileiro cujo trabalho tem privilegiado as potencialidades estéticas e ontológicas da luz. Nas suas fotografias, a luz é afirmada como o elemento pregnante, a matéria que modela a essência da imagem. Mais recentemente, Afonso começou a realizar instalações, feitas a partir do jogo ilusório proporcionado pelo uso de dispositivos de luz e espelho, que recriam obras emblemáticas da história de arte ocidental.

Palácio Galveias
Enrica Bernardelli
Enrica Bernardelli é uma artista brasileira cujo percurso artístico tem passado pela fotografia, como também pela escultura, desenho e filme experimental. Na LisboaPhoto 2005, irão ser apresentadas fotografias das séries Rodados e Fotos perfuradas: fotografias a preto e branco, de assuntos diversos mas sempre desfocados, nas quais a artista corta um círculo no papel fotográfico e roda-o ou pura e simplesmente retira-o, criando uma falta, uma perturbação, no carácter 'orgânico' da imagem.

LisboaPhoto 2005

Festival de Música e Dança de Sintra 2005

10 de Junho a 30 de Julho

Programa Completo.

Biografias Música.

Biografias Dança.

Blog do Festival.

Noite dos Museus

Dia Internacional dos Museus
18 de Maio de 2005

Noite dos Museus
14 de Maio de 2005
Instituto Português de Museus

Museu Nacional de Arte Antiga:
concerto, performance, moda, filmes, visitas guiadas, instalação.


Déborah no seu Esplendor.


Déborah e a sua Assistente Hermínia.

Museu Nacional do Azulejo:
oficina de iniciação à cerâmica Raku, visitas guiadas, jantar, concertos.

Museu Nacional dos Coches:
dança/teatro/música.

Museu Nacional de Etnologia:
música e dança, visitas guiadas, filmes, baile, ceia.

Museu Nacional do Traje e da Moda:
recriação 1900.

Körper de Sasha Waltz

Körper, Sasha Waltz & Guests.

20 e 21 de Maio de 2005
CCB
"... a imagem de uma parede em cena sobre a qual se agitam, mantidos na vertical, os corpos desnudados dos bailarinos ..."

Sasha Waltz, Schaubuehne
"... Starting out from the personal life stories of the dancers and actors, this piece is a critical examination of social and individual values, lifestyles and status symbols. What do we need to develop our identities? What significance do origins, family and history still have today? The complexity of the individual personalities involved leads to a kaleidoscope with many facets. In her first musical work for the stage, the composer Rebecca Saunders combines individual solos, duets and trios for ten musicians distributed around the room, along with mechanical sources of music, in order to create a complex overall composition. The production is characterised by living sculptures, animated objects, an intimate proximity between audience and performers, and the constant overlapping of simultaneous actions, images and sounds.
Sasha Waltz uses her thirteen dancers to visualise the skin and inside of the human body; its beauty and ugliness, its mortality and the dream of perfection. What is the body, and how is it composed? The human organism is reproduced both as an entirety and chopped into its fragments. The anatomy investigated is transposed into the geometry of the stage space. ..."

Wild, Wild Waltz, NewYorkMetro
"... A 39-year-old choreographer who has been co-director of the Schaubühne since 1999, Waltz is reclaiming an art form that suffers from a dearth of dance and lousy theater. She does admit to studying briefly with a pupil of Mary Wigman, the founder of German expressionist dance theater, of which Bausch is the avatar. More significant, however, was a mid-eighties stay at the New School for New Dance Development in Amsterdam, where she was seduced by American postmodernist dance. She then decided to pursue her dance education in New York for a year. She cites as influences the work of Merce Cunningham, the Judson Church movement, and Trisha Brown, whom she calls "one of my heroes very early on. ..."

Sasha Waltz, Körper, pièce pour 14 danseurs, Théâtre National Bretagne
"... Figure emblématique de la « post-danse-théâtre » allemande, Sasha Waltz ne craint pas de creuser dans les fissures de la société pour en excaver les schèmes inavoués et les désirs enfouis, avec cette façon bien à elle de distordre les rituels du quotidien et d’exalter l’énergie émotionnelle des danseurs. Car son rapport au monde s’exprime à travers le corps. Un corps qui palpite, qui frappe, qui s’étire et se déchire, qui dit la brutalité du réel et les élans contradictoires de la chair. ..."

Körper-Schau-Bühne, Tanznetz.

Sasha Waltz, Georg-Friedrich Kühn.

Carmina Burana de Carl Orff

Teatro Nacional de São Carlos
4, 6 e 8 de Maio de 2005

o soprano francês
Magali Léger,
o contratenor croata
Max Emanuel Cencic,
o barítono húngaro
Viktor Massányi,
os Pequenos Cantores da Academia de Amadores de Música,
o Coro do Teatro São Carlos
e a Orquestra Sinfónica Portuguesa,
todos sob a direcção
de Zoltán Peskó


Carmina Burana, Wikipedia.
"... The lyrics of the poems cover a wide range of secular topics, as familiar in the 13th century as they are today: the fickleness of fortune, the ephemeral nature of life, the joy of the return of spring, and the pleasures of drinking, gluttony, gambling and lust. ..."

Tudo sobre Carmina Burana de Carl Orff.
"... Orff's principal aim evident in CB has been a 'total theatre' where music, words and movement work together in producing an overwhelming effect. He sought models of such a work in two cultural traditions: classical Greek tragedy and Italian Baroque musical theatre. Orff had previously written works based on Sophocles and Aeschylus, as well as arranging some works of Monteverdi. Carl Orff considered that opera after Gluck had lost the plot and wanted to continue on in this tradition. ..."

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Fortuna Imperatrix Mundi (Fortune, Empress of the World)

O Fortuna (Chorus) O Fortune

O Fortune,
like the moon
you are changeable,
ever waxing
and waning;
hateful life
first oppresses
and then soothes
as fancy takes it;
poverty
and power
it melts them like ice.

Fate - monstrous
and empty,
you whirling wheel,
you are malevolent,
well-being is vain
and always fades to nothing,
shadowed
and veiled
you plague me too;
now through the game
I bring my bare back
to your villainy.

Fate is against me
in health
and virtue,
driven on
and weighted down,
always enslaved.
So at this hour
without delay
pluck the vibrating strings;
since Fate
strikes down the string man,
everyone weep with me!

_______
Comentários:

De Anónimo a 5 de Maio de 2005 às 15:18

Recomenda-se.

Parabéns à soprano Magali Léger, gostei da postura descontraída. O contratenor mais valia ter ficado em casa...zp

Nicola Conte

Aula Magna
9 de Abril de 2005

Nicola Conte, maestro do acid jazz e da nova bossa.
O concerto deverá ser sustentado nos temas do novo disco, "Other Directions".

O italiano Nicola Conte regressa ao nosso país para um concerto onde apresentará os temas do trabalho "Other Directions". Trata-se de um disco que, como alguém tão bem definiu, sintetiza três géneros concordantes: «jazz dos anos 50; bossa dos anos 60; bandas-sonoras italianas dos anos 70».

Este álbum, editado sob a alçada da consagrada Blue Note, revela uma vez mais a faceta de Nicola Conte como verdadeiro maestro de emoções perdidas algures nos clássicos dos anos 50. Em "Other Directions", Nicola assume as rédeas de todo o álbum, da composição à autoria das letras, e volta a ocupar um lugar muito próprio na música.

Entrevista.

Ballet Gulbenkian - 3º programa

Paulo Ribeiro (direcção artística)

Fundação Gulbenkian
16 a 19 de Março de 2005
Sensualidade e Fisicalidade
       
Le Sacre du Printemps
Coreografia e Desenho de luzes: Marie Chouinard
Música: Robert Racine e Igor Stravinsky
Figurinos: Liz Vandal
Adereços: Zaven Paré
Maquilhagem: Jacques-Lee Pelletier

Organic Spirit Organic Beat Organic Cage*
Coreografia: Paulo Ribeiro
Desenho de luzes: Nuno Meira
Música: John Cage
Figurinos: João Branco e Luis Sanches
Vídeo: Paulo Américo
O Mundo no Chão da Sala


(*) Estreia absoluta

Zéthoven

Orquestra da Escola Profissional de Artes da Beira Interior
A banda do Zéthoven

Ateneu Artístico Vilafranquense
Vila Franca de Xira
18 de Março de 2005, 15h30

RTP1
Páscoa
repetição: Sexta-feira, 2005.04.22

Um programa musical dedicado aos mais novos, no Ateneu Artístico Vilafranquense em Vila Franca de Xira que pretende fazer mergulhar as crianças no mundo da música clássica.
Perante uma plateia de 500 crianças, uma orquestra sinfónica com 41 elementos, dirigida pelo Maestro Luís Cipriano vai provar que a música clássica pode ser muito divertida.
Este espectáculo pretende desmontar a complexidade da música clássica e das orquestras, mostrando aos mais novos com exemplos práticos e surpreendentes que a música clássica é um mundo que vale a pena descobrir.
A orquestra vai interpretar o primeiro andamento da Quinta Sinfonia de Beethoven, o que acontecerá apenas no fecho do programa.
Programa onde tudo pode acontecer, até o próprio compositor estará presente na pele de um actor convidado.

Gravado para a RTP com transmissão no fim-de-semana da Páscoa.

Dave Douglas & Nomad

Centro Cultural de Belém

12 de Março de 2005

Dave Douglas

trumpet

Marcus Rojas

tuba

Myron Walden

clarinets and alto saxophone

Rubin Kodheli

cello

Tyshawn Sorey

percussion

Nomad de Dave Douglas foi formado para interpretar música inspirada nos mitos e no espírito da cultura rural de montanha. As suas primeiras apresentações tiveram lugar no topo das Dolomitas italianas (Alpes), no âmbito do Festival I Suoni delle Dolomitti.

Nomad, parcialmente inspirado na paixão de Dave Douglas pela música folk, é também marcado pelo espírito do jazz que está presente em toda a sua música. O próximo álbum de Dave Douglas & Nomad, Mountain Passages, é uma mistura profunda e humorística que alterna entre a solenidade da contemplação solitária e a devassidão embriagada da celebração eufórica.

O conjunto de trompete, clarinete, violoncelo, tuba e percussão é concebido como uma imaginária banda itinerante e todos os espectáculos em locais especiais são bem vindos.

Este projecto é dedicado à memória do pai de Dave, Damon Grenleaf Douglas (1933-2003), que era um obsessivo montanhista e cartógrafo, bem como um entusiasta músico amador.

Cirque Invisible

Centro Cultural de Belém
8 a 12 de Março de 2005

A filha de Charlot, Victoria Chaplin, idealizou e encena este espectáculo de circo com o seu marido, o actor francês Jean-Baptiste Thierrée. São também eles que vestem a pele das personagens principais: uma mulher-pássaro e um palhaço. Até 12 de Março no Centro Cultural de Belém, em Lisboa.
Este circo é "invisível" porque recorre à imaginação, além do poder visual. O público é transportado para o fantástico mundo dos sonhos, altura em que o palco é invadido por dez artistas que continuam os momentos de magia.

É difícil definir um espectáculo como este, idealizado e encenado por Victoria Chaplin (filha de Charlot) e Jean Baptiste Thierrée!

Na realidade, duas horas são pouco para o sentimento de magia que nos invade... não a magia no sentido hábil e teatral, mas aquela magia que pertence ao puro e ingénuo imaginário infantil de todos nós.

Dois personagens: ele, o palhaço ilusionista (ex-comediante de Peter Brook e de Federico Fellini); ela, a mulher pássaro. Juntos, apresentam-nos uma linguagem única e ao mesmo tempo universal, que explora o poder visual e a nossa imaginação. Dois artistas e um Palco!

Mas, depois da racionalidade adormecer e entrarmos no mundo de sonhos que é o Circo Invisível, ficamos perante dez artistas e um Palco, onde a verdade da realidade desaparece e renasce o INVISÍVEL sonho mágico!

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Né en 1937, Jean-Baptiste Thierrée, après des débuts dans l'imprimerie, entre comme souffleur au Théâtre de la Porte Saint-Martin et fait quelques figurations au cinéma.

Ses rencontres avec Jean-Marie Serreau puis Roger Planchon le mènent vers une carrière d'acteur au théâtre où il interprète les rôles de jeune premier et, au cinéma, dans Muriel d'Alain Resnais. En 1965, il fonde une compagnie de théâtre avec laquelle il crée notamment Le Revizor de Gogol, Midi moins cinq de Jacques Sternberg, Le Chevalier au pilon flamboyant de Beaumont et Fletcher au Théâtre du Grand-Guignol.

Puis survient Mai-1968 et son désir de cirque naît à la fois de son engagement politique et de sa rencontre avec Alexis Gruss senior puis Félix Guattari. Il fonde enfin son propre cirque dans les années 1970 (grâce à l'aide de Michel Rocard, alors à la tête du PSU), sous l'intitulé du Cirque Baptiste qui deviendra un peu plus tard le Cirque Imaginaire. À cette époque, il rencontre Victoria Chaplin qui deviendra sa femme et l'accompagnera dans toutes ses aventures.

Jean Vilar leur propose de planter leur chapiteau au Festival d'Avignon, place Champfleury, où le Cirque Imaginaire deviendra le Cirque Bonjour. Le succès est foudroyant et l'engouement de la presse et du public immédiat. Pourtant, Jean-Baptiste Thierrée, soucieux de préserver sa démarche artistique, refuse de transformer sa compagnie en entreprise commerciale et entreprend de nombreuses démarches pour se faire reconnaître par les pouvoirs publics comme cirque de service public.

Ses tentatives nombreuses seront sans lendemain et les portes du ministère de la Culture resteront fermées.

En 1974, il décide de saborder le Cirque Bonjour.

Il noue des contacts avec l'étranger et c'est sous le nom du Cirque Invisible que Jean-Baptiste Thierrée et Victoria Chaplin sillonnent, depuis 1980, toutes les plus grandes capitales européennes et internationales où ils acquièrent une grande notoriété. Au cours de cette "Année du cirque", ils ont effectué une grande tournée à Hambourg, Salzbourg, Stockholm, Helsinki et HongKong.

La fin de saison les trouvera en Norvège, à Lisbonne et à Berlin. Toutes les grandes capitales du monde. Sauf Paris.

The Royal Concertgebouw Orchestra

Koninklijk Concertgebouworkest
Mariss Jansons (RCO, maestro)

Gustav Mahler
Sinfonia Nº 6, em Lá menor, Trágica

Fundação Calouste Gulbenkian

Tragicamente Mahler
A Orquestra do Concertgebouw revela a faceta trágica da música de Mahler.

Coliseu dos Recreios
9 de Fevereiro de 2005

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"Verdadeiramente maravilhosa, plena de frescura e de juventude". Era assim que Richard Strauss falava do colectivo holandês em 1897. Passado mais de um século, a Orquestra do Royal Concertgebouw não só continua a receber elogios rasgados como está no pódio das melhores do mundo.

Fundado em 1888, o prestigiado agrupamento sinfónico de Amesterdão já efectuou mais de mil gravações. É especialmente reconhecido pela excelência na interpretação do repertório romântico tardio. É justamente daí que vem o programa que traz a Lisboa, preenchido pela Sinfonia Nº6 de Mahler.

O concerto - dirigido pelo maestro titular Mariss Jansons - é um dos maiores momentos do Ciclo Grandes Orquestras Mundiais da Fundação Gulbenkian.

(Modern) Dance

What is modern dance? by Deborah Nash

What is Modern Dance? by Scarlet Lynne King

Modern Dance from 1920 till today by Center for Choreography, University of Houston

Joyce's discussions about dance

Ballet? by LoveToKnow 1911 Online Encyclopedia

Online Resources by Society of Dance History Scholars

Ballet

WHAT IS BALLET?

Some Basic Facts:

The word ballet is derived from the Italian word ballare meaning "to dance."

Music, dance and mime combine in ballet to tell a story.

In ballet, each step and movement is planned in advance. This is called choreography.

Ballet developed its vocabulary in France, and many of the original French names for steps and jumps are still used around the world. That way, dancers from different countries can understand each other.

Performing ballet is very hard work and requires hours of practice. Most ballet dancers begin training at an early age. Just as in athletics, dancers must take very good care of their bodies.

Women must work even harder than men because they have to learn to learn a very special technique called "pointe." Pointe dancers wear special shoes which allow them to dance on the very tips of their toes.

Dance in ballet is based on the five classic positions of the feet and must be performed by dancers trained in classic technique. All ballet movements begin and end with one of the five positions. They were created in the 18th century to provide balance and to make the feet and hands look graceful. The five positions are based on the foundation which underlies ballet dance - the turn out. The turn out is the ability of the dancer to rotate the legs outward much further than is normal or natural in everyday life. "Turn out" must come from the hip if injury is to be avoided.

HISTORY

1. Court and Classical Ballet

Ballet began as entertainment for the royal families of Europe more than 400 years ago. It has a long and rich history growing out of noble and courtly manners and behavior. Ladies and gentlemen of the court were the performers. The first "ballet" was presented at the court of Catherine De Medici in 1581. Soon these "ballets" bcame so popular in France and Italy that, if you were a member of the nobility, you had to have dance training. By the time of France's Louis XIV, there were hundreds of dance teachers in Paris alone. The king, an accomplished dancer himself, decided to put ballet in the hands of the professionals. He created a school - the Academie Royale de la Danse. Classical ballet style has developed gradually since then. In the 19th century "romantic" ballet became popular. Dancers in floating white dresses performed folktales and fairy tales such as LA SYLPHIDE and GISELLE.

The ballet company of Russia was important in the 19th century, too. At that time it was the Imperial Ballet (of the Emperor) and huge productions could be presented, with the most beautiful costumes and sets and magical stage effects. The choreographer Marius Petipa designed many of these deluxe productions, and the great composer Tchaikovsky created musical compositions for ballets that would provide an evening of drama, music, and dance.

Early the twentieth century, many Russian artists left their country for political reasons. Some of them formed the Ballets Russes (or Ballet Russe--it just means “Russian Ballet”) which brought old and new works to life all around the world. Great choreographers such as the Russian Fokine (1880-1942) and the dancer Vaslov Nijinsky and his sister Nijinska arranged dances for the Ballets Russes.

For a time, ballet companies toured everywhere in America and when they came to the smaller cities it was an important event. During the time of Anna Pavlova (1881-1931), ballet became "the thing" for people to see and talk about. Gradually it became too expensive for companies to tour and ballet became more of a big-city entertainment. But there were many schools around the country teaching ballet and dance, with children learning the positions and dreaming of going to New York or to Europe to dance in a great company.

Neo-classical ballet and Modern ballet are two twentieth-century styles which developed from Classical ballet, which is what we call the traditional European dance style as it was in France and Russia around the year 1900.

2. Neo-Classical Ballet

Neo-classical means “new classical” and this ballet is a style of dance developed by choreographer George Balanchine. When he was only ten years old he began learning ballet at the Kirov Ballet School in St. Petersburg, Russia. In 1924, when he was 20, he left Russia and soon joined the Ballets Russes, touring in Europe and America. He had many opportunities to try out new dance ideas. In 1933, with the help of an American named Lincoln Kirstein, Balanchine came to New York to start a new ballet school which would have a new, American style. It took them a long time, almost 15 years, before they had developed dancers and a style that were important enough to become the New York City Ballet. Balanchine died in 1983, having made over 400 dances, many of which are still treasured by the dancers who learned them and the audiences who have seen them.

From his classical training, Balanchine kept the line, the elegance, the precision and the presence, but he made everything go faster. Instead of thinking ANow he is going to leap@ or counting how many times the ballerina twirls, you kept watching all the dancers and just trying to see everything they did. Without any loss of elegance or precision Balanchine increased the speed at which steps were danced, shortened the time between step sequences, and choreographed preparation for the next sequence as part of the end of the sequence being danced.

In choreography too, Balachine chose carefully. He did not completely eliminate storytelling. Instead, he reduced the plot and character to a minimum and drew on his audiences' cultural knowledge through use of gestures, costumes and properties to convey his story. Nor did he eliminate mime, just the steps and postures which were stereotypical and humiliating, while retaining both classical and folk steps and poses which reflect humanity generously.

While Balanchine was eliminating those aspects of classical ballet which did not fit his vision he was exploring the movement of other dance styles - Neo-romantic ballet from Russia, modern dance from Middle Europe, folk and Western dance from the United States, the visual forms of modern art; cubism, surrealism, suprematism, and the new harmonies and rhythms created by Stravinsky.

3. Modern Ballet and Modern Dance

Modern ballet is a much more inclusive style of dance than is Neo-classical. It also comes from the early part of the 20th century, but it is not the creation of one great choreographer. Instead, it comes from the many choreographers and dancers who were taught in many combinations of ballet and other dance styles. Some dancers had political or spiritual ideas about dancing, others had ideas about storytelling, or trying to go back to prehistoric uses of dance to express a religious or cultural truth. Some choreographers use popular music or world music or really strange music, and sometimes there is no music at all. So the range of style and movement is much greater and also the range of feelings that the dances arouse.

A modern ballet choreographer can call on the whole range of dance styles and can incorporate jazz, the various styles of Modern expression from Isadora Duncan to Twyla Tharpe, European, African, South American and Pacific Island ethnic forms, as well as the several versions of romantic and classical ballet styles. Not only can Modern ballet choreographers select from a variety of styles of dance, they can also collaborate with artists in other fields to create new works. Composers, visual artists, choreographers and dancers can work together to produce a grander work because of the synthesis of the art forms. For example, TROY GAMES combined the dancers of the London Contemporary Dance Theatre, South American Indian music and instruments, and choreography taken from styles of dance as divergent as chorus line dancing; African rhythms and classical ballet.


Ballet is once again enjoying a period of great popularity. Ballet is an art form that must be seen to be enjoyed. With television and video technology, everyone can now see ballet. In the past 30 years, the great America male dancer Edward Villella and the two great Russian male dancers Rudolph Nureyev and Mikhal Baryshnikov did much to change the American perception of ballet and to influence the "acceptance" of ballet among men. Many professional male sports figures now receive regular ballet training to enhance their sports performance.

St. Petersburg Philharmonic Orchestra

St. Petersburg Philharmonic Orchestra

First violins, 18
Second violins, 15
Violas, 13
Cellos, 12
Basses, 10
Flutes, 5
Oboes, 3
English Horn, 1
Clarinets, 4
Bass Clarinet, 1
Bassoons, 3
Contrabassoon, 1
Horns, 6
Trumpets, 4
Trombones, 4
Tuba, 1
Percussion, 6
Harps, 2
Piano and glockenspiel, 1

The St. Petersburg Philharmonia, the oldest Philharmonia in Russia, is almost two hundred years old. Its history goes back to 1802 when the St. Petersburg Philharmonic Society, the first one in Europe, was created.

Orquestra Filarmónica da Radio-France

Myung Whun Chung (maestro)

Orquestra Filarmónica da Radio-France

Gustav Mahler
Sinfonia Nº 5, em Dó sustenido menor

Fundação Calouste Gulbenkian
18 de Janeiro de 2005

Orchestre Philharmonique de Radio France

Orchestre Philharmonique de Radio France

instrumentistes:
premiers violons, 23
seconds violons, 18
altos, 15
violoncelles, 14
contrebasses, 11
flûtes, 6
hautbois, 5
clarinettes, 6
bassons, 5
cors, 7
trompettes, 6
trombones, 5
tubas, 1
timbales, 1
percussions, 4
harpes, 1
claviers, 1

L'originalité de cet orchestre de 138 musiciens ? Sa très grande flexibilité et la variété de son répertoire. L'Orchestre philharmonique de Radio France peut en effet être divisé en deux, voire trois formations, ces ensembles pouvant s'adapter à des répertoires très différents : c'est ce qu'on appelle familièrement la "géométrie variable". Les concerts de symphonies classiques ou d'oeuvres pour orchestre de chambre présentés par l'orchestre sont la preuve de cette faculté d'adaptation, ainsi que les concerts de musique contemporaine qui font appel à des combinaisons instrumentales spécifiques. Ce qui n'empêche pas l'Orchestre d'interpréter régulièrement le grand répertoire des XIXe et XXe siècles.

Orquestra ou Orquestra Sinfónica

Orchestra

A group of musicians who perform on a variety of instruments. Within Western art, the term is most commonly applied to the symphony orchestra. The modern symphony orchestra instrumentation includes:

Strings
18- 1st Violins
14 - 2nd Violins
12 - Violas
12 - Cellos
8 - Double Basses

Woodwinds
4 - Flutes
3 - Oboes
1 - English Horn
3 - Clarinets
1 - Bass Clarinet
3 - Bassoons
1 - Contrabassoon

Brass
5 - French Horns
4 - Trumpets
3 - Trombones
1 - Tuba

Percussion
2 - Timpani
3 - Untuned Percussion (Bass Drum, Crash Cymbals, Gong, Snare Drum, Suspended Cymbal, Tam-tam, Tenor Drum, Tom-Toms)
1 - Tuned Percussion (Antique Cymbals, Bell Lyre, Celeste, Chimes, Crotales, Glockenspiel, Marimba, Orchestra Bells, Steel Drums, Timpani, Vibraphone, Xylophone)
2 - Harps

What is the difference between a "Symphony Orchestra" and a "Philharmonic Orchestra"?

Answer: not much! Many orchestras have different names (mostly to make themselves look different from other orchestras!) but most of them have the same instruments.

A Really Young Person's Guide to the Orchestra by Justin Locke

Orchestra by groovemusic

Barbara Bonney e Angelika Kirchschlager

Barbara Bonney e Angelika Kirchschlager


Malcolm Martineau

Gulbenkian
8 de Dezembro de 2004

BARBARA BONNEY (soprano)
ANGELIKA KIRCHSCHLAGER (meio-soprano)
MALCOLM MARTINEAU (piano)

Felix Mendelssohn-Bartholdy
Seis Duetos, op.63

Robert Schumann
Três Duetos op.74

Camille Saint-Saëns
Ici, les tendres oiseaux

Ernest Chausson
La nuit, op.11 nº 1

Jules Massenet
Oh! Ne finis jamais

Gabriel Fauré
Puisqu’ici-bas toute âme, op.10 nº 1
Pleurs d’or, op.72
Tarentelle, op.10 nº 2

Gioacchino Rossini
Voga, o Tonio
Gia, la notte s’avvincina
Mira, la blanca luna

Anton Dvorák
Duetos Morávios, op.32

Excertos.

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Quando duas excepcionais cantoras se juntam em palco, o resultado só pode ser um: duetos de grande qualidade interpretativa. É o que se espera do concerto que vai reunir em Lisboa a soprano norte-americana Barbara Bonney e a meio-soprano austríaca Angelika Kirchschlager. Outro motivo para não deixar de ir à Gulbenkian esta semana é a estreia em Portugal do Psappha Ensemble.

Este agrupamento de Manchester, que se apresenta nos dias 6 e 7 de Dezembro, tem-se afirmado no Reino Unido como líder na difusão da nova música e do teatro musical. Os programas que traz a Lisboa são marcados por múltiplas estreias, nacionais e absolutas (incluem, por exemplo, uma peça do compositor português Tomás Henriques encomendada pela fundação).

Quanto às solistas, que actuam dia 8 na companhia do brilhante pianista Malcolm Martineau, vêm recriar uma colaboração já registada numa excelente colectânea de canções de Félix e Fanny Mendelssohn, Schumann e Dvorák, que tem sido um sucesso de vendas.

Barbara Bonney é um das mais versáteis cantoras da sua geração, adaptando-se - e brilhando - tanto na canção, como na ópera e recital (é também uma boa violoncelista). Versatilidade é também uma qualidade de Angelika Kirchschlager, que se afirmou como uma das mais distintas vozes da década de 90, especialmente no repertório do Lied.

Les Ballets Trockadero de Monte Carlo

Les Ballets Trockadero de Monte Carlo

Centro Cultural de Belém
De 23 a 28 de Novembro de 2004

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A curiosa companhia de dança norte-americana, exclusivamente masculina, volta a Portugal para recriar em tom de paródia o ballet clássico. Conhecido familiarmente por "Les Trocks" o grupo traz na bagagem um novo programa.

No espectáculo não faltam os tutus, os collants e as sapatilhas de pontas, mas em tamanho grande. Estes homens transformados em robustas bailarinas apresentam em Lisboa as coreografias "Les Sylphides", "Cafe of Experience", "Ecole de Ballet" e um "pas de deux" ou "pas de trois" que anunciarão todas as noites. Já no Porto e na Figueira, além da surpresa que anunciam em cada espectáculo, dançam "O Lago dos Cisnes", "Pas de Quatre" e "Paquita".

Lhasa de Sela

Lhasa de Sela

Fórum Lisboa
7 de Julho de 2004

Lhasa de Sela, "a voz nómada", autora dos excelentes "La Llorona" e "Living Road" apresenta o seu mais recente espectáculo. 

biografia (inglês)